Pour finir tranquillement une lourde semaine de travail, rien de tel qu'un oeil jeté par la fenêtre et la découverte d'un street art aux accents originaux.

Loin de la traditionnelle esthétique du graff, Alexandros Vasmoulakis peint les murs des villes de figures singulières, comme si des personnages de livres pour enfants s'étaient échappés pour envahir les rues.
C'est doux, c'est chou, et ça nous change de nos copains gangsta !

La qualité d'un blog, bien souvent, est en rapport avec la richesse des situations vécues par son auteur.
Alors quand on tombe sur un blog de photographe graffeur, qui en plus se déplace un peu partout en Europe pour se livrer à son art, on tombe forcément sous le charme.


Le blog de Ph.Neil se déroule comme un film, tous les posts regroupés sur une seule et même page, ce qui permet au visiteur de glisser paisiblement de Venise à Londres, de Paris à Ljubljana, d'images de fiestas en clichés volés dans les rues. Et sans aucune parole, sans l'éventuelle barrière de la langue (l'auteur est italien), c'est toute une jeunesse européenne qui peut se reconnaître dans ses photos.

Impressionnante performance de Guido van der Werve, réalisée dans le golfe de Bothnia, en Finlande l'année dernière.
L'artiste marche sur la glace tandis que derrière lui, la silhouette imposante d'un navire brise-glace creuse dans la banquise une tranchée.


La disproportion entre le monstre de métal et la minuscule figure humaine titubant dans la neige est tout simplement saisissante, et la démonstration du rapport entre puissance et fragilité incroyablement efficace.

Artiste passionnant, Guido van der Werve a réalisé d'autres performances du même style, comme par exemple Nummer Negen, où il s'est positionné à l'exact Pôle Nord géographique et a tourné pendant 24 heures dans le sens inverse de celui de la Terre. Pendant une journée, et du fait de cette simple action, il s'est ainsi retrouvé le seul homme non-synchrone avec le mouvement de notre planète.

Dans les peintures de Dave White, il y a toujours ce détail qui fait froncer les sourcils au spectateurs.
Une tache, une coulure, un éclat... Quelque chose qui va permettre à notre point de vue de ne pas juger ce qu'on voit comme de la "simple" bande-dessinée.


Pourtant, au premier abord, on retrouve les mêmes thèmes, les mêmes onomatopées étalées en majuscules sur toute la longueur de l'image.
Mais après une étude attentive, on découvre des traits plus fuyants, des contours en déliquescence, des super-héros usés, et surtout la force de la peinture qui vient s'interposer pour nous empêcher de voir ce qu'on s'imaginait avoir vu.

En voyant la pièce générative Seurat, de Paul Reiners, on ne peut que constater à quel point l'histoire de l'art est intimement liée à celle des techniques.
Encore en cours d'élaboration, cette oeuvre se présente en effet comme un lien entre le pointillisme, dont Georges Seurat était l'un des représentants, et l'apparence pixellisée des images d'aujourd'hui, dont bien peu nous apparaissent désormais sans la grille obligatoire de pixels intégrée à nos écrans.


Le fameux tableau "La Grande Jatte", mais aussi des oeuvres de Monet ou Van Gogh, y sont ainsi modifiés progressivement par l'application de divers filtres réglables par l'utilisateur du programme.

D'un point de vue historique, cette simple applet Java n'a rien d'anodin, mais apparaît au contraire comme la continuité d'un mouvement amorcé par les impressionnistes, poursuivi avec les pointillistes, lesquels se voulaient, consciemment ou non, en réaction à l'apparition de la photographie, technique qui subitement permettait de présenter la réalité avec une fidélité presque parfaite en un temps record.
Avec l'explosion des techniques de sérigraphies, quelques décennies plus tard, et en particulier la méthode du tramage, les artistes avaient déjà fait le lien avec le pressentiment de leurs prédécesseurs. On pense en particulier au "Déjeuner sur l'herbe" d'Alain Jacquet daté de 1964.


La technologie permettait alors déjà de reproduire mécaniquement des effets optiques qu'un impressionniste ou un pointilliste mettait des semaines à réaliser.
Avec Seurat, Paul Reiners ajoute le point, peut-être final, à cette aventure de la représentation, en permettant non seulement de reproduire mécaniquement des effets de pointillisme, mais en autorisant en plus le spectateur à intervenir sur le rendu final. Parvenu à ce point de négation de la virtuosité technique et de l'affect de l'artiste, ne subsistent en définitive que le sujet et la raison de sa présentation. Et si tel est vraiment le cas, l'art visuel vient peut-être de faire le tour de près de 150 ans de réflexion sur les techniques de représentation.

Il y a une dizaine d'années, David Lynch fantasmait sur les possibilités du traitement numérique de l'image en imaginant qu'on pourrait bientôt filmer des scènes minuscules en macro et ensuite faire croire que celles-ci étaient des prises de vue à taille humaine.
Car les amateurs de photographie le savent, ce qui fait toute la différence dans notre perception d'une photo ou d'un plan de cinéma, c'est essentiellement la focale de l'appareil, qui déforme ou non l'image et fait varier la profondeur de champ. Quand en 1956, dans Moby Dick, John Huston montrait le Pequod, le baleinier du capitaine Achab, englouti par un tourbillon géant, personne ne voyait la maquette, et tout le monde tremblait devant l'effet. La même scène aujourd'hui n'impressionne plus personne tant notre oeil est désormais habitué aux changements de focales et parvient à identifier immédiatement l'échelle du sujet.

C'est en jouant avec cette connaissance empirique de l'image que Keith Loutit parvient à tromper ses spectateurs dans ses photos et ses vidéos.

Car contrairement à ce que nous dit notre oeil au premier abord, ce ne sont pas des maquettes qui sont présentées ici, mais bien des prises de vue réelles, que le traitement numérique (adjonction de flou et modification de la vitesse) a transformé en scènes miniatures. Sur son site, le photographe explique qu'il espère ainsi que les habitants de Sydney, reconnaissant ces lieux familiers, pourront les regarder d'un oeil neuf, et s'attarder sur des paysages tellement quotidiens que plus personne ne les voit.

Et dire que tous les jours, depuis septembre, un site propose un horoscope de qualité, et qu'on vient seulement de s'en apercevoir !
Toutes ces opportunités gâchées... Tous ces rendez-vous avec le destin manqués...
Mais voilà, la chose est réparée, et vous aussi, dès aujourd'hui, vous pourrez savoir ce que les astres vous réservent et recommencer à spéculer en bourse et en amour aussi sereinement qu'avant la crise.



Ca s'appelle Horoscopitone. C'est créé par la toujours brillante Caroline Hazard.
Et j'adore, j'adore !

A l'occasion de sa résidence à Access Space en 2007, Ele Carpenter a conçu le projet HTML Patchwork, partie intégrante de son oeuvre Open Source Embroidery.
Le patchwork HTML a ainsi consisté à concevoir de manière libre et collective, à la manière des logiciels open source, un patchwork brodé où chaque hexagone représente une couleur avec son code HTML.

Pour la réalisation de cette oeuvre, des dizaines de participants se sont affairés, avec parmi eux un grand nombre de clubs de broderie et de couture des environs, mais aussi des artistes italiens, australiens, irlandais et néo-zélandais.
Le résultat, présenté sous la forme d'un wiki, présente chacune des 216 parties brodées ainsi que son auteur, et l'objet fini, simple morceau de tissu, représente aussi la quintessence du travail collaboratif de tous ces artistes, amateurs et professionnels, à travers le monde.

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DoodleBuzz permet tout en gribouillant sur une page blanche de visualiser les news fraiches de notre monde. L’interface (en actionscript troisième du nom) génère au tracé de lignes et/ou courbes des amoncellements de titres de presse sur une recherche par mot clé donné. Les infos affichées peuvent être triturées, malaxées et certaines combinaisons de clicks autorisent une déambulation contextuelle par tags associés. Bel ouvrage de Brendan Dawes qui propose une navigation informationnelle (pre)tactile à partir de l’API de la plate-forme Daylife.  

 

Depuis les années 60, James Turrell impose sur le monde de l'art sa griffe radicale et minimaliste.
Ses oeuvres, conçues à base de projections lumineuses, ont été une source d'inspiration pour des générations d'artistes travaillant dans tous les domaines.
Cette fois, avec Morrell (Moving Turrell), le duo 3kta (André Rangel et Anne-Kathrin Siegel) s'empare de l'esthétique reconnaissable de l'artiste et la recycle pour y ajouter le son et le mouvement.
L'installation audiovisuelle se présente donc exactement comme une oeuvre de Turrell, à la différence que celle-ci évolue en fonction des mouvements du public.

Idée bien curieuse, en fait, puisque l'immobilité de la lumière fait souvent partie du projet même d'une création de Turrell, et l'artiste a pu aussi, par le passé, jouer avec les variations de lumière quand il le jugeait nécessaire.
Alors est-ce que cet ajout de mouvements et de sons apporte ou retranche une certaine puissance à la vision originale ? A vous d'en décider.

Loïc Lautard utilise photographies et super-8 pour décrire les personnages qui hantent le quartier des Halles, à Paris.
Il applique aux figures que l'on croise sans voir un traitement sensible, fait de gros plans et de portraits de face, manière technique de donner à ces individus anonymes une existence dont ils sont privés le reste du temps. Dans les courtes séquences en super-8, la galerie de portraits prend vie, et même s'ils n'en retrouvent pas pour autant la parole, toutes ces silhouettes errantes y gagnent au moins un peu d'humanité.


La série "Les Halles de Paris" est exposé à la galerie Mycroft, du 29 septembre au 4 octobre.

Dans notre imaginaire collectif, la machine est cette chose froide et implacable capable d'exécuter des tâches sans relâche et de manière parfaite, pour peu qu'elle ait été conçue pour.
Opposée à l'homme et à ses erreurs, elle réprésente un idéal d'exécution dont les seules failles sont imputées à l'humain qui aura mal su la concevoir.
Car la machine ne pense pas. Elle n'essaie pas. Elle n'échoue pas. Elle fait ce qu'on lui dit de faire, sans émotion, sans doute, ni illusion.
Le travail de Michael Kontopoulos en devient donc d'autant plus passionnant qu'il parvient à insuffler dans ses machines la dose d'humanité dont on les croyait privées.

Quatres festivals numériques se chevauchent sur le mois de septembre. Scopitone (Nantes), le Festival Emergences (Paris), N.A.M.E (Lille), et Marsatac (Marseille). A moins de posséder le don d’ubiquité, il faudra faire son choix. Peut être que les sites internets respectifs offriront de quoi calmer les ardeurs. Après tout, l’art numérique explore bien souvent les méandres de l’espace/temps.
En 1980 déjà, « Hole in Space », avait créé la surprise en mettant en confrontation des piétons du centre ville de New York avec ceux de LA, par écrans géants interposés, filmant et retransmettant en temps réel les réactions de chacun.

Une vingtaine d’année plus tard, Béatrice de Fays et Mathieu Constans proposent une installation "Univers palimpseste" immersif reliant Bombay et Paris. Les participants se rencontrent dans un espace virtuel (image projetée et musique diffusée), les silhouettes se touchent, se découvrent et interagissent au rythme de leurs gestes.
Ainsi ensemble, par leurs comportements (image, voix, mouvement) et l’interaction sur leurs environnements respectifs (peintures et musiques réalisées par des artistes locaux), les participants génèrent l’oeuvre interactive en création.
La téléportation vers un autre monde en quelque sorte…

Connecté 99% du temps, en communication instantannée avec des interlocuteurs situés à des milliers de kilomètres de nous, bombardé d'informations dont on ne sélectionne qu'une infime partie, laissant toutes les autres dans un flou synthétique, relié à la plus grande base de connaissance que l'Homme ait jamais eu à portée de main, notre cerveau, peu à peu, apprend de nouvelles règles spatio-temporelles qu'il serait bien difficile de se représenter.



C'est pourtant ce que tente de faire Benjamin Edwards au travers de son travail (de peinture d'abord, d'infographie ensuite).
Cités froides et informatisées, autoroutes immaculées d'informations indistinctes, architectures titanesques et opaques où l'homme n'apparaît plus, et où ne subsistent que ses connaissances... et ses véhicules.
Et si nous vivions déjà dans Tron ?

Chris Dorosz appelle le résultat de son travail des sculptures, mais la frontière est ténue.
Car son procédé unique se situe exactement dans le prolongement des nombreuses réflexions sur le support en peinture.
Dans son cas, la toile disparaît, le cadre passe de deux à trois dimensions et les touches de peinture semblent flotter dans les airs, totalement libérées des contraignants supports traditionnels.

Techniquement, Dorosz utilise un quadrillage 3D fait de tubes transparents sur lesquels la peinture vient se fixer. Il y a donc bien un support dans ce travail, mais un support discret, qui s'efface idéalement quand on voit l'oeuvre dans son ensemble.
Un travail pictural qui plaira aux adeptes de l'art numérique que nous sommes, puisque dans beaucoup de ces pièces, le canevas régulier dans lequel s'inscrit l'image est tout à fait comparable aux pixels de nos écrans, ce qui, à la réflexion, n'est en rien obligatoire.
A voir aussi, sa série de portraits en pieds, étonnantes silhouettes imprécises que ce "pointillisme géant" rend aussi fantomatiques que familières.

 

Souvenez-vous, il y a quelques temps, on vous présentait le travail de Desiree Palmen, camouflages urbains conçus pour se fondre dans un paysage hostile.
Plus discret, et aussi plus poétique, Joshua Callaghan conçoit aussi des trompe-l'oeil urbains sur les boites de raccordement électriques, et là où Desiree Palmen tentait de dissimuler la présence humaine, Callaghan s'affaire de son côté à faire disparaître ces larges blocs gris posés au milieu de la verdure.

Dans certains cas, il peut même ajouter de la verdure, là où il n'y en a pas.
Mais devant ce travail de dissimulation, forcément imparfait selon la position de l'observateur, on se pose quand même la question de l'honnêteté du projet.
Car aussi précis que soit le trompe-l'oeil, dissimuler ces boîtiers ne les fera jamais disparaître.

Une installation vidéo du meilleur effet à présenter chez soi, lors d'un dîner entre amis, par exemple.

"Fuego 2" d'Eugenio Ampudia fera flamber votre bibliothèque en silence.
Du même auteur, on conseillera aussi la surprenante boucle footballistique "En juego".
Dommage que le nombre d'oeuvres en ligne soit encore trop limité.

Butiné sur le blog de Geoffrey Dorne, une description du projet Emotionnaly}Vague. Son concepteur, Orlagh O'Brien, "a demandé à plus de 250 participants âgés de 6 et 75 ans de 35 pays différents de représenter graphiquement les émotions sur un ensemble de silhouettes humaines. Les dessins ont ensuite été compilés sur des calques Photoshop".
Superposer des formes pour en revenir aux préformes archétypales... le trajet a un sens, c'est certain.

S'il y avait des jeux olympiques des Lego, nul doute que le Hong Kong Lego User Group repartirait avec une médaille.
Pour s'en convaincre, voici leur dernière création : une reconstitution du fameux stade olympique de Pékin, dont les étapes de construction peuvent être observées ici.
Sur Brickshelf, justement, vous trouverez aussi d'autres évocations olympiques en Lego, comme le village olympique, le Water Cube ou encore la reconstitution du Parthenon gardé par... des Storm Troopers.

William Lamson aime les ballons. Et il en met partout.
Ses installations sont souvent des interventions en milieu urbain ou naturel où l'ajout de ballons de baudruche permet de révéler une façette particulière d'un paysage.
Dans notre exemple ci-contre, c'est en l'occurence le jouet d'un enfant innocent qui devient par inadvertance un moyen de lutte contre la surveillance généralisée.

Dans les années 80, une quantité considérable de dessins animés japonais (ou franco-japonais) de grande qualité s'est mise a envahir les chaînes de télé, pour le plus grand bonheur des enfants que nous étions à l'époque. D'après l'artiste peintre Catarina Lira Pereira, c'était alors "l'âge d'or" des programmes pour enfants.
Aujourd'hui adulte, celle-ci a cherché à retranscrire cette sensation de nostalgie floue dans laquelle elle replonge en repensant à toutes ces séries et toutes ces histoires particulièrement élaborées.
Ses oeuvres sont donc des reproductions de photogrammes des dessins animés en question, barrées par les couleurs dégradées du temps qui passe.
Un travail graphique sur la mémoire et l'empreinte persistante que ces esthétiques ont laissée en nous. Aucun doute que les trentenaires d'aujourd'hui reconnaîtront la plupart de ces formes marquantes et de ces personnages mythiques qui ont accompagné leur enfance. Quant aux autres, ils peuvent toujours être frappés par la qualité graphique de ces lambeaux de nostalgie colorée.

Les bloggeurs ont des sentiments, et ils les expriment continuellement, et surtout publiquement. En imaginant qu'on puisse synthétiser toutes ces données, on peut donc obtenir une sorte de météo de l'humeur des bloggeurs, et bien sûr, comme les bloggeurs ne sont finalement que des hommes et des femmes, une modélisation de l'humeur globale du monde (occidental).

Pulse, l'oeuvre de Markus Kison, part de ce principe et a ainsi été conçue pour rendre concrets les mouvements d'humeur de la communauté des bloggeurs (ceux hebergés par Blogger.com du moins).
Techniquement, l'installation se compose d'une partie logicielle qui analyse les messages postés sur le célèbre site communautaire en fonction de plusieurs listes de synonymes associés à des émotions (haine, dégoût, confiance, joie, etc.), et d'un objet mobile inspiré du diagramme de la théorie psycho-émotionnelle de Robert Plutchik.

L'objet change donc de forme en fonction des émotions des bloggeurs sondés, offrant au public un aperçu de leur moral général.

Si on peut voir ce projet comme un gadget de plus proche de nombreuses autres oeuvres sondant le réseau en temps réel, il n'est aussi pas interdit d'imaginer qu'un tel outil (logiciel en particulier) pourrait parfaitement intéresser les instituts de sondage du futur. En effet, alors qu'on nous rabat les oreilles tous les mois avec le prétendu moral des ménages (entendez "si vous faites vos courses, c'est que votre moral est bon"), pas besoin d'être futurologue pour imaginer que les émotions synthétisées par le logiciel Pulse pourraient tout aussi bien servir à un nouvel indicateur de moral guidant l'économie.
Aura-t-on, dans un avenir proche, en plus de la météo du ciel, celle des émotions de la Toile, avec prévisions et indices de confiance ?

"Aujourd'hui, sévère dépression sur toute la zone belge et luxembourgeoise, mais le vent d'euphorie venu de l'Est devrait gagner le nord de l'Europe demain en fin d'après-midi."

Réaliste, non ?

Que ceux qui n'avaient pas d'ordinateur dans les années 80 passent leur chemin, car ils ne comprendront rien à cette forme d'art.
Fortement dosée de nostalgie, de couleurs criardes et de pixels géants, les images de Julien Ducourthial, via son projet ilbm.info, nous replongent dans une esthétique qu'on croyait super techno-moderne à l'époque, mais qui aujourd'hui ferait doucement rigoler les gamins capables de lâcher sans scrupule des GIF animés de 80Mo sur leur blog.


Et tant qu'on y est, un petit tour aussi du côté de la mecque des images super-basses résolution avec le toujours utile 8bitpeoples.

Après le vélo pour sept, voici une autre activité plagière pour tous ceux qui s'ennuient en vacances.
A la fois inspirés par le land-art et le phénomène des crop circles, ce sont les artistes Andres Amador et Jim Denevan qui montrent l'exemple sur les plages désertes de Californie en dessinant des formes géantes à l'aide d'un simple bâton.



Sans aucune aide (informatique ou mathématique), les deux américains, chacun de leur côté, concoivent ces éphémères et monumentales figures dont l'importance ne peut être saisie que d'avion ou d'une haute falaise proche.
Si ces artistes se contentent de produire des formes géométriques abstraites, rien ne vous empêche, à votre tour, de vous lancer dans des dessins plus figuratifs, surtout si vous avez du mal à trouver une plage vide cet été. Par exemple, pourquoi ne pas dessiner une HLM grandeur nature en prenant soin de coller un touriste dans chaque fenêtre ? L'effet, sans aucun doute, sera percutant, et témoignera de tout le bien que vous pensez des accumulations humaines sur les plages.
A vous de jouer !

Comme vous savez qu'on aime bien la nature ici, un petit tour du côté d'une artiste américaine dont le travail, à mi-chemin entre land-art et média-art, relève d'une poésie bucolique, d'un art de l'éphémère que nous ne pouvons que saluer.
Après avoir réparé des champignons avec des rustines pour pneus de vélo ou organisé des manifestations de chenilles en colère, Nina Katchadourian s'est mise en tête de réparer des toiles d'araignées partiellement détruites.
A l'aide d'un kit de couture et de fil rouge, elle a ainsi passé son été 1998 (oui, c'est pas tout jeune) à rendre service à ses voisines arachnéides.
Ou du moins le croyait-elle... Car systématiquement, après avoir achevé son travail, les araignées, probablement véxées, s'empressaient de remplacer le fil intrus par un fil de leur création, éjectant au sol le travail de l'artiste, et ce, même si la toile en question était abandonnée depuis longtemps.
La série de photographies Mended Spiderwebs témoigne de ces interventions temporaires, dont l'exécution a demandé un temps et une concentration inouïs, pour finalement être détruites en une nuit.

Et puis tant que nous sommes dans les araignées, ressortons un lien vieux comme le web : la fameuse expérience des araignées droguées et les effets graphiques produits sur la conception de leurs toiles.
Si avec ça, vous ne faites pas de beaux rêves...

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