Métathéâtralité, quand tu nous tiens ! Le spectacle ne se prive pas non plus de faire retour sur l'histoire de la pièce de Brecht, ses différentes versions écrites et interprétations scéniques. Jeanne Balibar (que l'on voit sur la photo aux prises avec Bibi, la truie, dans une séquence inoubliable) cherchant ainsi à retrouver la diagonale parcourue par Valérie Dreville dans la mise en scène d'Antoine Vitez à la Comédie française.

Belle est la scène plongée dans une lumineuse obscurité ("Comment est la nuit ?" demandait le Galilée de Brecht, "Claire", lui répondait Andrea), comme sont belles l'actrice et les danseuses (par contre les hommes sont laids et ont tous de vieux pervers, mais bon...). Le spectacle souffre de quelques temps morts, de moments où Jean-François Peyret, dont le spectacle est comme écrit au fil de la plume, semble chercher l'inspiration. Laquelle vient parfois au gré des errements de Bibi, la truie qui arpente le plateau en trottinant avec un plaisir manifeste.

Tournant autour de Galilée Un spectaccle de Jean-François Peyret avec Jeanne Balibar, Freddy Kunze, Olivier Perrier
et les danseuses Corinne Garcia, Jung-ae Kim, Ayelen Parolin, Rita Quaglia
et Bibi la truie ! jusqu'au 18 avril aux Ateliers Berthier (Odéon) (www).

Brrrr... j'ai eu très peur devant le Pinocchio de Joël Pommerat. Surtout pendant les noirs entre les tableaux. Pourquoi le monde est-il si violent ? Pourquoi tous les spectacles ne sont-ils pas jolis et rassurants ? Celui-ci est à réserver aux enfants vraiment pas sages. Ça leur servira de leçon !

Pinocchio, d'après Carlo Collodi, texte et mise en scène de Joël Pommerat
Spectacle pour enfants à partir de 6 ans
Du 8 au 22 mars 2008 aux ateliers Berthier du théâtre de l'Odéon (www).

La rencontre est plus que réussie entre ce texte fort d'étrangeté, de philosophie et de poésie, et la mise en scène de Claude Régy, exempte de tout spectaculaire. Chaque mot est décortiqué jusque dans ses moindres syllabes. Forcément très lent et par conséquent, très long. L'homme sans but vu par Claude Régy demande une attention soutenue de la part du spectateur, sur une durée de 2h30. Garder l'oeil ouvert malgré la pesanteur : métaphore de la difficulté à ne pas céder à l'abrutissement général ?

Homme sans but, d'Arne Lygre, mise en scène Claude Régy
Aux Ateliers Berthier (théâtre de l'Odéon), jusqu'au 10 novembre 2007 (www)
Le texte est publié par l'Arche Editeur [Photo @ Pascal Victor]

Un jeune homme blond à grande collerette et à la mine mélancolique est traîné hardiment sur le sable par une silhouette blanche et alerte: au détour des couloirs de métro, l'affiche du spectacle accroche le regard. D'autres très belles photos du spectacle laissent présager du meilleur. En effet, ces personnages qui portent de larges fraises, en réalité des marionnettes, sont très photogéniques. Les visages semblent tellement humains que leur expression grave et figée fascine, tout comme la disproportion de leurs corps.
Dominique Pitoiset a créé cette Tempête à Bordeaux en janvier 2006. La pièce est reprise. Certainement un succès à ne pas manquer. Le metteur en scène explique en détail ses partis pris dans le livret du spectacle. De belles idées, pleines d'intelligence et de références.
Un gros coup de tonnerre, un petit bateau en bois verni qui traverse le plateau, tiré par une ficelle. Magnifique. Le spectateur est transporté. Stop. La magie aura été de courte durée. Prospero apparaît, interprété par Dominique Pitoiset lui-même, en vieil homme aveugle et tout absorbé par ses pensées. Sur un ton très naturaliste, tendance théâtre de l'absurde, il égraine ses longues tirades et plombe instantanément l'atmosphère. Rien ne réussira plus à sortir le public de sa torpeur. Ni les fameuses marionnettes, qui s'avèrent parler allemand (comment apprécier la poésie de leurs mouvements quand on a l'oeil rivé sur les surtitres?). Ni le duo Trinculo et Stefano : sensés évoquer la commedia dell'arte, ils s'expriment en italien et tentent d'adopter le dynamisme outrancier inhérent au genre - sans jamais parvenir à faire rire. Seule Ariel, interprétée par la superbe Houda Ben Kamia, se démène avec une belle énergie pour insuffler un peu de vie à toute cette confusion. Elle s'exprime parfois en arabe... Mélange des langues, mélange des styles de jeu. Les justifications intellectuelles à une telle démarche ne suffisent pas. La somme de tous les éléments ne parvient pas à faire un tout. L'île enchantée de Prospero, pleine de belles promesses, n'est qu'un archipel d'ennui.

La Tempête de William Shakespeare, mise en scène et scénographie Dominique Pitoiset
Du vendredi 27 avril au samedi 2 juin 2007, aux Ateliers Berthier

Il a fait rêver plusieurs générations par ses audaces, sa modernité jamais démentie, toujours à cheval sur l'expérimentation et le populaire. Il a dirigé de façon généreuse une maison, lui a taillé des habits neufs, l'a à peine habitée, rénovée, le temps d'une courte saison avant de devoir confier les clés à un autre. On comprend l'émotion de Georges Lavaudant, samedi dernier (21 avril), lorsqu'une dernière fois, sous les acclamations d'une foule debout, il est venu saluer son public qui le remerciait, du fond du coeur, pour toutes les oeuvres revisitées, dépoussiérées, ces trouvailles contemporaines aussi, ces compagnonnages, bref tout ce qui fait qu'un metteur en scène marque son temps. Là, face à ces salves d'applaudissements émus, à l'issue d'une ultime représentation de ce spectacle-phare, La Rose et la hache (illus.), mâtiné de Shakespeare et de Carmelo Bene, Lavaudant a pris congé, pour un temps espérons-le très court, de ce sixième arrondissement qui, dans quelques jours (le 3 mai), verra Olivier Py, son successeur, annoncer la saison à venir.

Une soirée de beuverie qui va un peu trop loin, surtout que Madame n'était pas au courant, et voici Lenglumé, encore pas dessaoulé, tout occupé à prouver qu'il n'a pas assassiné de jeune charbonnière. De bons bourgeois de province, des quiproquos, des portes qui claquent, des domestiques flegmatiques, une action qui n'en finit pas de s'emballer, l'affaire de la rue de Lourcine réunit tous les ingrédients du parfait vaudeville version Labiche.
Jérôme Deschamps et Macha Makeïff ont depuis longtemps fait leur foin des faiblesses du quidam de base. Leur style ne pouvait donc que coller parfaitement à la médiocrité ordinaire des personnages de Labiche. Effectivement, considérées indépendamment, les scènes de la pièce qu'ils présentent actuellement à l'Odéon sont techniquement très réussies, chacune prétexte à un tour de force des comédiens qui poussent jusqu'à l'extrême chaque geste, chaque intonation, au besoin en les répétant à l'envi. Mais tous ces numéros ralentissent le rythme global et empêche la folle mayonnaise du vaudeville de prendre. Et finalement, on ne rit guère. Un comble pour un Labiche.

L'affaire de la rue de Lourcine, de Eugène Labiche
mise en scène Jérome Deschamps et Macha Makeiff
Du 22 février au 31 mars 2007 au théâtre de l'Odéon (www)
(photos Pascal Victor / Odéon - théâtre de l'Europe)

Son titre même renvoie à des réalités complémentaires et contradictoires, uniees dans une complexité à laquelle le spectacle de Fadhel Jaïbi et Jalila Baccar osent se confronter. Supposée laïque, la Tunisie est un pays où l’égalité entre hommes et femmes reconnue en droit, l’est imparfaitement dans les faits (mais, à vrai dire, où l’est elle ?), où l’homosexualité est passible de prison et où le pouvoir muselle la liberté d’expression. Un attentat-suicide sert alors de révélateur d’un conflit entre une jeunesse qui souffre, dont les perspectives d’avenir sont limitées, une génération de parents désabusée devant la manière dont le régime a piétiné ce pour quoi elle avait lutté au moment de l’indépendance, et un état dictatorial, prédateur et corrompu.

D’une grande économie de moyens, Corps otages, donne vie à des personnages qui ne sont jamais de simples représentants d’un courant d’idées ou d’un groupe social : ce spectacle qui se place au centre d’un affrontement idéologique et d’une faillite sociale et politique laisse pourtant émerger des individualités : le jeune femme qui se fait exploser, mais surtout son amie, emprisonnée et torturée à la suite de cet événement, la mère de cette dernière, qui doit concilier l’amour qu’elle porte à sa fille et l’incompréhension qu’elle ressent pour ses idées et ses choix de vie. L’ancien tortionnaire, enfin, que la mère écoute parler avant de le confronter à son mari, une de ses anciennes victimes.

Scénographie dépouillée où ce sont les corps (décidément !) des acteurs qui partagent l’espace dans une chorégraphie somptueuse, rigueur de la construction scénique, de la maîtrise de l’espace et du temps. Spectacle qui, à défaut de rendre espoir en l’avenir redonne confiance au théâtre qui, grâce à la force de la mise en scène et de comédiens exceptionnels peut dire tant sur notre monde.

[Illustrations dr. Théâtre de l'Odéon]

Grand nom de l'art théâtral tunisien arabophone, Fadhel Jaïbi s'est forgé une stature unique. Elle lui garantit une liberté de parole et de création qui, sans jamais être définitivement acquise, lui permet néanmoins de travailler sans avoir à transiger ni avec le pouvoir, ni avec le marché. Son théâtre a été applaudi à Beyrouth, à Damas, au Caire. En Europe, il s'est d'abord fait connaître comme pédagogue et formateur, mais ses derniers spectacles – Comedia, Familia, Les Amoureux du café désert, pour ne citer que ceux-là – ont tourné en Italie, en Espagne, en Hollande, en Suède, au Portugal, en Belgique et en France. En 2002, Junun (Démences), joué au Cloître des Célestins, est l'une des révélations du Festival d'Avignon. Mais depuis 1998, le public parisien n'a plus eu l'occasion de suivre son travail. 

Dans Corps otages, une jeune professeure de physique se fait exploser dans la cour de son établissement de la capitale, au pied du drapeau tunisien – autrement dit, comme le note Jaïbi avec une froide ironie, «si loin des lieux où l'on se fait habituellement exploser». Le thème de recherche choisi par Jaïbi rejoint ainsi son style théâtral et sa matière de prédilection : depuis toujours animé par la violence qui traverse les corps, son théâtre s'attaque ici à l'une de ses formes les plus effrayantes, pour essayer de reconstituer le «puzzle éclaté» (Jaïbi ne dédaigne pas un certain humour noir) qu'a laissé la jeune femme. Comment une fille de famille aisée, d'éducation laïque, dont le père, ancien militant communiste, a passé dix ans dans les geôles de Bourguiba, dont la mère, haut fonctionnaire à la retraite, milite pour les Droits de l'Homme, comment donc une telle femme en vient-elle à basculer dans l'islamisme radical ?

Point n'est besoin d'insister sur les résonnances contemporaines d'une telle interrogation. Le fait qu'elle vienne d'un lieu hybride, à la lisière de l'Europe (la Tunisie étant le pays le plus laïc du Magreb) n'est pas anodin, dans un contexte où l'on oppose à l'envie le Bien au Mal, la tradition à la modernité, l'Islam à l'Occident...

 CORPS OTAGES de JALILA BACCAR
mise en scène : FADHEL JAIBI

avec jalila Baccar, Fatma Ben Saidane, Jamel Madani, Moez M'rabet, Besma El Euchi, Lobna M'lika, Wafa Tabboubi, Riadh Hamdi, hajer Garsallaoui, Khaled Bouzid, Hosni Akrimi.

Ce fut l’un des événements marquants de la rentrée théâtrale. Ceux qui n’ont pas encore vu la pièce (attention, il ne reste plus que quelques jours !) auront certainement entendu parlé des images fortes que constituent notamment une scène de viol dans toute sa durée et surtout, la figure, émergeant d’une poubelle, de la victime, nue, ensanglantée, choquée, mutilée. Images insupportables pour certains qui quittent la salle.
Est-ce parce que j’étais placée très loin du plateau ? Est-ce parce qu’on m’avait déjà raconté la scène auparavant ? Parce que je suis d’une génération qui n’a plus peur des images ? Insensibilité ? En tout cas, je suis restée et ai assisté aux trois heures vingt de représentation sans dommage (apparent). Je ne sais pas si j’ai avancé sur la question de la représentation de la violence, mais en tout cas, c’est bien à une réflexion sur ce thème que nous invitent Botho Strauss et son fidèle serviteur, Luc Bondy.
Strauss part du Titus Andronicus de Shakespeare, mais il en déplace le point de vue : le général Titus n’est plus l'élément central de la pièce. Strauss donne une importance beaucoup plus grande à Lavinia, la fille de Titus, notamment en lui octroyant une « voix », une jeune femme embauchée pour traduire ses cris après sa mutilation ; privée de langue, elle ne s’exprimait plus dans la pièce originelle. Toutefois, Strauss a intitulé sa pièce Schändung, titre traduit par Michel Vinaver par « viol », traduction forcément réductrice du terme allemand qui signifie à la fois le viol, la mutilation, la pollution...

Car c’est bien l’acte violent qui intéresse l’auteur. Et il ne se contente pas de représenter cet acte, il l’expérimente, le teste, le questionne. Parfois, sa pièce suit l’intrigue shakespearienne. Parfois, elle la dépasse : Lavinia s’exprime après le viol et la mutilation et veut continuer à vivre. Parfois, le dépassement va très loin : Lavinia en arrive à désirer son violeur et à tenter de faire l’amour avec lui. Constamment, la pièce invite le spectateur à questionner ce qu’il voit : dès le tableau n°2 : les comédiens, dans une fausse "rencontre avec le public", viennent parler de leur façon d'aborder leur personnage. Et pendant toute la durée de la pièce, Lukas, un enfant laissé là par sa mère avec pour recommandation de rester tranquille, assiste à une débauche de barbarie. Mise en abyme aux contours flous puisque le gamin prend régulièrement part à l’action, d’abord fils cadet de Titus puis compagnon de jeu de Lavinia. Et Luc Bondy de prendre parti dans le débat engagé par Botho Strauss sur les effets de la représentation de la violence, en ajoutant une prise de pouvoir finale par l’enfant-spectateur.

Viol de Botho Strauss, d'après Titus Andronicus de William Shakespeare

Mise en scène Luc Bondy, traduction Michel Vinaver et Barbara Grinberg

Théâtre de l'Odéon, Ateliers Berthier, jusqu'au 19 novembre 2005 [illus. photo Ruth Walz]